La sangre de Wendy por fin ve la luz

 

Un año después de que nos reuniéramos en el Café Comercial para hablar por primera vez del proyecto, nuestro bebé, La sangre de Wendy, por fin da sus primeros pasos. Y Samuel Gutiérrez, nuestro flamante director, nos invitó a su tierra natal para ver el resultado final.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ha sido un fin de semana lleno de emociones. León nos recibía con los brazos abiertos y con un sol inusual para esta época del año. Parte del equipo de La sangre de Wendy (la protagonista, Silvia Vacas, Ana G. Rallo, Mairén Muñoz y una servidora), así como el jefe de sonido, Roberto Herrador,  acudimos al pase de prensa y preestreno del film. 

 

 

 Se trata del primer largometraje en el que participo y sé que quedará grabado en mi memoria para siempre, ya no sólo por ser el primero sino también por los compañeros con los que he tenido el gusto de trabajar. Si ya el rodaje lo disfruté, ver el estreno de esta aventura y notar el cariño del público al terminar el pase ha sido mágico. Ojalá todos los actores pudieran tener una oportunidad así al menos una vez en la vida, porque es exactamente esto lo que te hace darte cuenta de que vale la pena. Vale la pena trabajar en el cine. Vale la pena hacer cine. Y sobre todo, vale la pena hacer otro tipo de cine, aspirar a historias diferentes, arriesgar y conseguir un logro como el de Samuel. Aquí os dejo con los agradecimientos de todas nosotras. ¡Fue una noche inolvidable!

 

* Un recuerdo especial para el resto del equipo técnico y para Free Casting, ¡nos vemos en Madrid!

 

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TEST IMPERTINENTE PARA LA REVISTA FIRST F MAG

El equipo de First F Mag me ha hecho una pequeña entrevista para que me conozcáis un poco mejor.
Aquí os dejo mis respuestas y el link de la revista. ¡No os la perdáis!

http://issuu.com/firstfmag/docs/_0.18_july-august_issue.indd

 

Serie Z, la película

 

 

Durante toda la Semana Santa me he visto envuelta en un proyecto en el que me hacía muchísima ilusión participar: mi primer largometraje.

José Cerqueda de Free Casting me llamó para hablarme del personaje de Elsa, el papel que Samuel Gutierrez quería que interpretara , y yo acepté sin dudarlo. Una semana concentrados en un hotel en Pandorado (al norte de León) donde se desarrollaría toda la acción: el fin de semana de despedida de soltera que le han preparado a Cris sus amigas.  Lo que a priori parece una inocente fiesta, pronto se torna en algo mucho más oscuro y sangriento. Éste es el argumento de La Sangre de Wendy, la segunda de las historias que componen Serie Z. Pero no quiero desvelar demasiado, prefiero que la veáis cuando la estrenemos.

Lo que sí quiero mostraros son algunas de las imágenes, para que os hagáis una idea de lo que ha sido este rodaje: hachas, aquelarres, nieve, heridas mortales, hachas, demonios... Una acción trepidante detrás de la cual hay un gran equipo.

También quiero dejaros el link del proyecto, para que podáis conocerlo más a fondo.
 
http://www.kifund.com/es/project/blog/serie-z

 

Two bullets for snake eyes cada vez más cerca

Cuando Héctor Sánchez me llamó para participar en su corto no tenía ni idea de lo que tenía en mente. Aun así, cogí mi coche y me planté en Toledo con una mezcla de incertidumbre y optimismo, porque quería escuchar su propuesta cara a cara. Pero cuando me reuní con él, salí con las cosas muy claras: quería ser Mrs. White. Me sedujo la posibilidad de poder actuar en un corto con la misma estética que las películas de Tarantino. Y sobre todo, interpretar a una mujer fuerte, femenina y con las cosas claras.
 
Two Bullets For Snake Eyes ya está casi a punto para el estreno. Todos hemos trabajado con muchísima ilusión y creo que eso se va a notar en el resultado final. Pero quería mostraros algunas imágenes que tomó Christian Stamm en el set de rodaje para iros abriendo el apetito ¡Espero que las disfrutéis!

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Lidia Mayorga y Mary Ruiz

Christian Stamm y Emilio Moya Lopez

Cartel de Two Bullets For Snake Eyes

 

La BSO de la película corre a cargo de Los Hidrocálidos

 

 



 

El Hobbit: Y el cuento se hizo película

http://www.umomag.com/cultura/cinedvd/item/2568-el-hobbit-un-viaje-inesperado

Es inevitable no pensar en El señor de los anillos cuando se va a ver esta película. Y como siempre, las comparaciones son odiosas. Si bien El señor de los anillos marca el carácter profundo y épico de los personajes, esta precuela se presenta como un cuento infantil, donde el humor y la fantasía son los protagonistas durante la primera parte. Durante toda la presentación de los enanos no hay rastro de oscuridad y quizás puede hacerse un poco cargante, pero marca perfectamente las diferencias de carácter entre un hobbit y un enano.

 

Bilbo Bolsón vive feliz en su tierra, Hobbiton, rodeado de fiestas, banquetes y tranquilidad, hasta que el mago Gandalf le visita y va a proponerle una aventura. Desde el momento en que coge la mochila, la historia gana empaque y se convierte en un relato más adulto adornado por horribles trolls, orcos y huargos, entre otros curiosos seres.

 

Martin Freeman borda su papel de hobbit intrépido, donde va madurando a cada paso que da y transmite con su gesto la magia de este relato. Durante su hazaña va  acompañado por trece enanos y por Gandalf (Ian Mckellen en su línea, fantástico), de los que quiero destacar, como no puede ser de otra manera, al honorable Thorin Escudo de Roble, como contrapunto del afable Bolsón. Este es el único de los personajes que sí podría recordar a los memorables protagonistas de El señor de los anillos gracias a su linaje y valentía.

 

La acción está arropada en todo momento por la banda sonora del compositor Howard Shore, que realiza una vez más un trabajo sobresaliente; su música se adapta como un guante a cada situación vivida por los personajes.

 

Lo que demuestra Peter Jackson es su profunda adoración por los libros de Tolkien. Esta precuela no puede superar en guión a una trilogía cuyos libros de base fueron escritos con mayor profundidad, madurez por parte del escritor. Pero lo que yo he recibido al ver El Hobbit es ese amor incondicional del director hacia este ejemplar. Peter Jackson mima a cada personaje, lo hace único y además añade un punto de humor que en ocasiones aporta luz a la historia. Además, pone a su favor innumerables avances técnicos (un Gollum mucho más realista si cabe) y los famosos 48 fotogramas por segundo, que siempre es un buen reclamo publicitario. No catalogaría este film como una obra maestra, pero sí como un fabuloso reencuentro con la Tierra Media.

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Argo, cuando la realidad te concede un gran guión

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Argo genera tensión desde el minuto uno. Te sitúa en aquel acontecimiento sucedido en 1979 como si estuvieras dentro de la embajada de Estados Unidos. El caos de esa situación está relatado con un realismo casi de documental, apoyado además por el maquillaje y vestuario de la época.

 

Pero lo mejor de este film es la historia real. Es una locura de tan grandes proporciones que cuesta trabajo pensar que fuera verdad. La estrategia para sacar del país a los seis fugados es una gran historia y por ello mantiene la atención del espectador en todo momento. Además, al ser un hecho verídico puede no salir bien, no  es una idea de un guionista que escribe un “happy ending” para obtener el aplauso del público y por este motivo la tensión se mantiene hasta el final y se intensifica con una muy bien escogida banda sonora.

 

Los personajes secundarios transmiten veracidad y ayudan a recrear ese suspense presente durante toda la película. Especialmente memorables son las apariciones de John Goodman y Alan Arkin.

  

Ben Affleck, protagonista y director de la cinta, ha sabido combinar tres géneros muy  cautivadores: “años 70” (con toda la estética que conlleva) “política” (normalmente este tipo de películas son auténticas) y “cine dentro del cine” (desde la lectura de guión a los rodajes en plató, el mundillo de los productores de Hollywood…) Ese cocktail consigue que esta película sea una de las más interesantes propuestas de este otoño.

 

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Salvajes: Sexo, drogas y algunos clichés

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SINOPSIS

 

Adaptación de una novela de Don Winslow. Dos jóvenes emprendedores de Laguna Beach, Ben (Aaron Johnson), un budista pacífico y caritativo, y su mejor amigo Chon (Taylor Kitsch), ex miembro de las fuerzas especiales (SEAL) de la Marina estadounidense y ex mercenario, han montado un lucrativo negocio casero: cultivar y vender una de las mejores marías que jamás se ha obtenido. También comparten un amor único con la extraordinaria y bella Ophelia (Blake Lively). Ambos llevan una vida idílica en este pueblecito del sur de California… hasta que se instala un cártel mexicano de Baja California y exige que el trío se asocie con ellos.

Al negarse,  la despiadada jefa del cártel (Salma Hayek) y su brutal matón Lado (Benicio Del Toro) no toman en cuenta la fuerza del vínculo que une a los tres amigos. Ben y Chon, con la ayuda que les proporciona a regañadientes un corrupto y escurridizo agente de la DEA (John Travolta), deciden librar una guerra imposible contra el cártel. Así empieza una serie de maniobras y estratagemas cada vez más salvajes en un enfrentamiento donde ambas partes se juegan mucho.

 

La película comienza con unas imágenes caseras de una matanza y a continuación la relación sexual explícita entre Ophelia y Chon, mientras la chica empieza relatarnos todo lo que va a suceder. En realidad, aunque resulte increíble que un soldado que ha combatido en Irak y ha trabajado como asesino comparta la chica con un hippie fumeta, me vino a la cabeza la idea de los tres soñadores de la película de Bertolucci y así los presenta O, como tres románticos cuyo sueño es vivir del negocio de la marihuana.  Y creo que está visualmente muy bien plasmado con esas imágenes que muestran las playas californianas, los tatuajes de O y la sensualidad del trío protagonista.

 

De los tres, me quedo con la interpretación de Aaron Johnson (Ben). A parte de que la trayectoria de su personaje es la más compleja, el actor transmite con credibilidad todas sus acciones. En el bando de “los buenos” también nos encontramos con  Emile Hirsch, el protagonista de Hacia rutas salvajes  que aquí desempeña un pequeño papel de informático y por lo visto de ciclista (ya que siempre aparece vestido con esas poco sugerentes mallas).

 

Dentro del cártel de la Baja, Oliver Stone asegura con Benicio del Toro. El actor, como siempre está muy potente en su papel de Lado, esa repugnante mano derecha de Elena, la jefa del cártel (Salma Hayek) y que además atenúa la sobreactuación de ésta. Y aquí llegamos al personaje que menos me gustó del film. Salma Hayek parece que se ha tomado muy en serio su labor de mala de cuento y gesticula todo el rato para que sus palabras tengan peso (curioso comprobar que Lado, sin embargo, solo con la mirada deja helados a sus interlocutores). Además, su papel de madre es muy rebuscado al igual que algunas de las escenas en las que ella aparece junto a Ophelia.

 

En general, la película tiene ritmo, violencia, humor negro,  sexo y buenos actores. Oliver Stone cumple, aunque no sobresale. Y siempre me quedará la duda de por qué ha empleado para el clímax de la película el archiutilizado tema musical de Massive Attack, Paradise Circus.

 

Nota: 7

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Lo imposible, la película de los récords

Mis críticas también en:
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Sabes que vas a ver  una película sobre el tsunami. Incluso hay otros films que la preceden. Pero Bayona, una vez más, aprovecha todos los recursos de los que dispone para sumergirte en esa ola. Con esta película confirma que sabe bucear entre el cine comercial y de calidad. La historia, sobre todo, me ha impactado por su realismo, esa sensación de ahogo que sientes al principio y que ya no te abandona durante las siguientes dos horas. Por este motivo considero que quien piense verla no dude por un momento en no dejar pasar la oportunidad de visionarla en pantalla grande. Este film gana a lo grande y quizás así esconde también los momentos en los que pierde intensidad.

 

Un detalle que me pareció muy logrado es la sensación de verdadera familia entre sus integrantes. Naomi Watts (María) es la madre luchadora y lo demuestra desde el momento en el que le arrastra el tsunami. Durante toda la historia se guía por el instinto de protección propio de su personaje. Echaba de menos disfrutarla en un papel que igualara en dramatismo al de Elizabeth en Madres e hijas.

 

Obviando que Ewan McGregor (Henry) siempre lo borda, me gustaría destacar al joven Tom Holland. El chaval transmite en cada gesto la angustia, la deseperación, la tristeza y la alegría de un adolescente que sufre una catástrofe como esa. Lucas es el verdadero protagonista de este drama, que tiene que comportarse como un hombre para sobrevivir.

 

Si a estos buenos actores, le sumas la calidad técnica e iluminación que ha tenido este film el resultado es, cuanto menos, notable. En resumen la película me ha gustado, es muy entretenida porque experiementas las sensaciones de los protagonistas mientras las están viviendo. Y creo que ese es uno de sus mejores logros.  Pero aun así, no ha conseguido emocionarme lo suficiente como para saber que será una película que recuerde para siempre.

8/10

Crítica de Step Up Revolution

Podéis leer mis críticas también en Umomag:

http://www.umomag.com/cultura/cinedvd/item/2249-step-up-revolution

SINOPSIS

 Step Up 4 es la nueva entrega de la saga de éxito mundial, que ahora establece el baile en un dinámico contexto en la ciudad de Miami. Emily, hija de un acaudalado hombre de negocios llega hasta Miami con el sueño de convertirse en bailarina profesional. Pero pronto se enamora de Sean, un joven que dirige un equipo de baile de competición. Sean se esfuerza por llevar a su equipo, MOB, para ganar un importante concurso y así obtener un patrocinador. Pero el padre de Emily quiere hacerse con el barrio en el que vive Sean para especular con sus propiedades inmobiliarias, por lo que incomodará a los vecinos con malos modos y amenazas de desahucio. Por lo tanto la única posibilidad de que el barrio sobreviva es ganar el concurso de baile y así poder hacer realidad sus sueños, a la vez que conservan sus hogares

  

Con un argumento predecible y con la superación y la unidad como leitmotiv de la trama, poco pueden sorprendernos ya estas historias de baile, con guapos bailarines y guión trillado. Incluso el actor protagonista (Ryan Guzman) recuerda físicamente demasiado al primero de la saga (Channing Tatum). Lo único que me ha llamado la atención han sido los números de baile, los flashmob que organizan los MOB (el grupo de baile  del barrio) para conseguir ser los más vistos de Youtube y ganar un premio. Cada número es mejor que el anterior y si a eso se le añaden efectos increíbles y una banda sonora que incluye a M.I.A. y Flo Rida pasando por Radiohead o M83, el resultado es, en este sentido, sorprendente. Resumiendo, hay que retirar demasiados clichés y varias incoherencias del guión para que la película convenza a un público adulto pero una historia como ésta hará las delicias de los espectadores adolescentes y de aquellos que aún vibran recordando Dirty Dancing.


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El triunfo del primer amor

Sinopsis
Años 60. La huida de dos jóvenes amantes de su pueblo natal lleva a sus familiares y amigos a salir en su búsqueda. Así, quedarán de manifiesto viejos rencores y ocultas relaciones románticas entre algunos de los personajes que participan en la búsqueda. (FILMAFFINITY)



Me metí en el cine a ver Moonrise Kingdom sin tener ni idea de lo que iba a descubrir. Y de principio a fin no dejó de sorprenderme.  Su director, Wes Anderson, crea un universo vintage en el que sus protagonistas relatan la problemática pre-adolescente con una historia de amor de fondo. Para bien o para mal la trama no deja indiferente: Tiene una estética caricaturizada que se puede apreciar en la manera de desenvolverse los personajes. Además, muchos de los planos están construidos en perfecta simetría impregnando a la imagen de cierta artificialidad surrealista.  Y sobre todo el reparto fue uno de mis principales motivos para decantarme por entrar en esta sala : Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances Mc Dormand, Tilda Swinton, Bob Balaban  y Harvey Keitel acompañan a los debutantes protagonistas ( Jared Gilman y Kara Hayward) en esta original oda al amor.  Sin duda, la cuidada fotografía y la música a cargo de Alexandre Desplat sirven de lienzo inmejorable de esta imaginativa historia muy recomendable para ver en una cálida noche de verano.

Las nieves del Kilimanjaro, comme ci comme ça

SINOPSIS
A pesar de haber perdido su trabajo, Michel vive feliz con Marie-Claire desde hace treinta años. Sus hijos y sus nietos los llenan de alegría. Tienen amigos muy cercanos. Están orgullosos de sus actividades sindicales y políticas. Sus conciencias son tan transparentes como sus miradas. Pero ese bienestar salta por los aires cuando dos hombres armados y enmascarados los golpean, los atan y se fugan con sus tarjetas de crédito.




La sensación que tuve al salir del cine fue agridulce porque, si bien  De todo corazón me emocionó en su momento, en esta película la falta de realismo en sus escenas cruciales ha hecho que no esté del todo convencida sobre si es una película recomendable. Está llena de buenas intenciones, hay momentos  de la familia muy creíbles, el trasfondo de la crisis se encuentra presente como hilo conductor de la historia, pretende despertar la conciencia del espectador... Y entonces, ¿por qué no me ha enganchado?


Lo que a mí más me chirriaba era la música. No sé de quién fue la "feliz" idea de meter esa BSO que no entra ni con calzador. Sabías que llegaba un momento emotivo cuando empezaba a sonar la música de fondo y eso al menos a mí, me hacía desconectar, dejaba de empatizar con la historia y todo se tornaba ñoño y casi irritante.


Por otro lado, se nota que Guédiguian tiene oficio, sobre todo en la ambientación y en el papel de sus protagonistas (su mujer, Ariane Ascaride maravillosa). Pero la historia en sí se torna tan inverosímil, que se pierde el interés en ella. Y creo que dejarte de creer una trama social es el peor de los errores que le puede suceder a una película de estas características.


Así que en definitiva, tiene momentos tan brillantes como su ciudad, Marsella, porque está dirigida por alguien que sabe hacer cine, pero esos fallos básicos para que la historia funcione hacen que la película fracase. ¡Una pena!

Nader y Simin: obra maestra

Nader y Simin, una separación

Sinopsis
Simin y Nader son un matrimonio que, junto a su hija Termeh, deciden abandonar Irán en busca de una vida mejor. Cuando todo está casi preparado, sin embargo, él se echa atrás por temor a abandonar a su padre, a quien le han diagnosticado Alzheimer. Ella, disgustada, decide pedir el divorcio y, al no serle concedido, se muda a vivir con sus padres. Las cosas se complicarán cuando Nader, quien se queda con la niña, decida contratar a una mujer para ayudarle con el cuidado de su padre. Un buen día, al llegar a casa, se encontrará al anciano atado a la mesa y, a partir de ahí, todo dará un vuelco en su vida y en la de la pequeña Termeh.


Cuando una película iraní gana todos estos premios:
2011: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. Nominada a Mejor guión original2011: Festival de Berlín: Oso de Oro a la Mejor película, Mejor actor, Mejor actriz2011: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa2011: National Board of Review: Mejor película extranjera2011: Premios Cesar: Mejor película extranjera2011: Critics Choice Awards: Mejor película extranjera2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película extranjera2011: Independent Spirit Awards: Mejor película extranjera2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor guión2011: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2011: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera
2011: British Independent Film Awards: Mejor película extranjera

Es un signo inequívoco de que va a ser un buen film. Estamos hablando de un tipo de cine que no va a conseguir el favor del jurado por acudir a late night shows. Incluso la historia es un drama contado de una manera muy cruda, con poco artificio y sin buscar la lágrima fácil (al leer en la sinopsis la palabra "alzheimer" puede prestarse a confusión). Así que, si no tiene ninguno de los ingredientes que se esperan de una película galardonada en todo el mundo, ¿qué podemos ver en Nader y Simin?


Cuando alguien cercano te recomienda un film como éste es que te está haciendo un gran regalo. Esa es la percepción que he sentido esta mañana, al dejar reposar las imágenes en mi memoria toda la noche.  Creo que nunca había visto una película en persa y ya solamente el idioma te sumerje en otras costumbres muy diferentes. El matrimonio es creíble todo el rato, sus discusiones son las de una familia, la personalidad de cada uno de ellos está muy bien trazada y se mantiene a lo largo del film... Todo esto para mí es un logro del guión: diálogos perfectos que transmiten las tensiones de la familia. La mirada de la hija es un caso a parte: dulzura, inteligencia y sufrimiento a través de sus ojos.

En general, todos los actores se convierten en personajes de esa historia y ninguno desentona. Se aprecia el talento de Farhadi en cada plano y la ausencia de música y la cámara en mano en algunas ocasiones aporta el estilo documental para dar en el clavo e imbuirte en la trama. Muy buena.

Cuídate de los idus de marzo

Lo primero que quiero es comentar el motivo del título, ya que es el gancho para atraer al espectador.  Los idus de marzo hace referencia a la traición que sufrió Julio César cuando fue asesinado. Al parecer, un vidente intentó prevenirle de su trágico final pero él no hizo caso y poco después fue acuchillado. El cartel de la película ya deja entrever que va a ser un film sobre política y la anterior incursión de Clooney en esta temática (Buenas noches, buena suerte) para mí fue totalmente satisfactoria. Además, el reparto no podía estar mejor elegido: Ryan Gosling, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei.

Considero que gustará especialmente al público al que agrade ver películas sobre política estadounidense. A mí me parece entretenidísimo porque ya que nos machacan todo el día en el telediario con las primarias, el Super Martes y los Estados en los que hacen campaña, no resulta complicado seguir toda una trama dramática en estos términos.

En cuanto a la historia, me ha parecido correcta. Sin ser un tema original, George Clooney describe la campaña de un gobernador y sus relaciones con sus directores de campaña y con la prensa. He salido del cine con la sensación de que la política apesta y me he sentido un tanto aliviada de haber encaminado mi vida por otros derroteros.

Bien dirigida, buena banda sonora y sobre todo buenos actores aportan empaque a una trama que sé que no permanecerá en mi memoria pero que en el transcurso de sus cien minutos de duración no tenía ganas de que acabase.

Drive sí pero no...

Acabo de salir del cine de ver Drive. Y sintiéndolo mucho, la película me ha gustado pero no me ha encantado. Supongo que cuando dejas pasar el tiempo y la gente que te rodea te crea demasiadas expectativas, es muy común que la impresión no sea la misma.

La historia está bien, los personajes también, sobre todo los secundarios, los que rodean a Gosling ( y mi adorada Carey Mulligan que siempre intrepreta los papeles con mucha verdad). Además tiene su punto encontrar las conocidas caras de Christina Hendricks o Bryan Cranston en unos papeles muy diferentes a los que les hicieron famosos en sus respectivas series.

No voy a hablar de la BSO (sí, es muy buena), ni de la estética ochentera (es verdad que hay ciertos planos muy sorprendentes). Pero tengo la sensación de que al menos para mí, va a ser una película que no permanecerá en mi memoria.

Meryl Streep es Margaret Thatcher

Salgo ahora mismo del cine de ver La dama de hierro. No voy ni a plantearme si lo que escribo está bien pensado y calculado para halagar a quien me quiera leer. Sólo quiero compartir la emoción de ver a Meryl Streep en un papelón, bordando la misión que se le ha encomendado con la misma precisión y cariño que un artesano ante su obra. De verdad, esta mujer es maravillosa. ¿Cómo puede hacerlo tan bien que parece hasta fácil? Ha llegado a darme miedo como Thatcher, si bien es verdad que la película describe a un personaje mucho más conmovedor que la imagen pública que siempre hemos tenido de ella. 

Mientras salían los disturbios de Londres por todo el conflicto de los mineros me acordaba de las películas de Ken Loach que mostraban la otra cara de la moneda (Lloviendo piedras, Ladybird ladybird) y me imaginaba al propio Loach viendo esta película y partiéndose de risa. He echado de menos un poco de rigor histórico, pero solo por ver a Meryl Streep en una pantalla de 20x30 y observar cada uno de sus minúsculos gestos que la convertían en Primera Ministra merece la pena el precio de la entrada.